Realisme dalam sinema: Realisme Klasik Hollywood
Sinema Hollywood klasik
Dalam kritik film, sinema Hollywood Klasik adalah gaya pembuatan film naratif dan visual yang pertama kali berkembang pada tahun 1910-an hingga 1920-an di akhir era film bisu. Gaya ini kemudian menjadi ciri khas sinema Amerika Serikat selama Zaman Keemasan Hollywood, dimulai sekitar tahun 1927, dengan munculnya film bersuara, hingga munculnya produksi-produksi Hollywood Baru pada tahun 1960-an. Sinema ini akhirnya menjadi gaya pembuatan film yang paling kuat dan persuasif di seluruh dunia.
Istilah serupa atau terkait lainnya mencakup narasi Hollywood klasik, Zaman Keemasan Hollywood, Hollywood Lama, dan kontinuitas klasik. Periode ini juga disebut sebagai era studio, yang mungkin juga mencakup film-film dari era film bisu akhir.
Era film bisu dan kemunculan gaya klasik
Selama ribuan tahun, satu-satunya standar visual seni penceritaan naratif adalah teater. Sejak film naratif pertama pada pertengahan hingga akhir tahun 1890-an, para pembuat film telah berupaya menangkap kekuatan teater langsung di layar lebar. Sebagian besar pembuat film ini memulai kariernya sebagai sutradara di panggung akhir abad ke-19, dan demikian pula, sebagian besar aktor film berakar dari vaudeville (misalnya, The Marx Brothers atau melodrama teater. Secara visual, film naratif awal hanya sedikit diadaptasi dari panggung, dan narasinya pun sangat sedikit diadaptasi dari vaudeville dan melodrama. Sebelum gaya visual yang kemudian dikenal sebagai "kontinuitas klasik", adegan-adegan difilmkan dalam pengambilan gambar penuh dan menggunakan koreografi panggung yang cermat untuk menggambarkan plot dan hubungan karakter. Teknik penyuntingan sangat terbatas, dan sebagian besar terdiri dari pengambilan gambar jarak dekat tulisan pada objek agar mudah dibaca.
Meskipun tidak memiliki realitas yang melekat pada panggung, film (tidak seperti panggung) menawarkan kebebasan untuk memanipulasi ruang dan waktu yang tampak, sehingga menciptakan ilusi realisme – yaitu linearitas temporal dan kontinuitas spasial. Pada awal 1910-an, pembuatan film mulai memenuhi potensi artistiknya. Di Swedia dan Denmark, periode ini kemudian dikenal sebagai "Zaman Keemasan" film; di Amerika Serikat, perubahan artistik ini dikaitkan dengan para pembuat film seperti D. W. Griffith yang akhirnya melepaskan diri dari cengkeraman Edison Trust untuk membuat film yang independen dari monopoli manufaktur. Film-film di seluruh dunia mulai secara nyata mengadopsi elemen-elemen visual dan naratif yang akan ditemukan dalam sinema Hollywood klasik. Tahun 1913 merupakan tahun yang sangat produktif bagi media tersebut, karena para sutradara perintis dari beberapa negara memproduksi film-film seperti The Mothering Heart (D. W. Griffith), Ingeborg Holm (Victor Sjöström), dan L'enfant de Paris (Léonce Perret) yang menetapkan standar baru bagi film sebagai suatu bentuk penceritaan. Tahun ini juga merupakan tahun ketika Yevgeni Bauer (artis film sejati pertama, menurut Georges Sadoul) memulai karirnya yang singkat namun produktif.
Di dunia pada umumnya dan Amerika Serikat khususnya, pengaruh Griffith terhadap pembuatan film tak tertandingi. Para aktornya juga sama berpengaruhnya dalam mengadaptasi penampilan mereka ke media baru. Lillian Gish, bintang film pendek The Mothering Heart, khususnya terkenal karena pengaruhnya terhadap teknik pertunjukan di layar. Epik Griffith tahun 1915, The Birth of a Nation, yang juga dibintangi Gish, merupakan terobosan bagi film sebagai sarana penceritaan – sebuah mahakarya narasi sastra dengan berbagai teknik visual inovatif. Film ini memprakarsai begitu banyak kemajuan dalam perfilman Amerika Serikat sehingga menjadi usang dalam beberapa tahun. Meskipun tahun 1913 merupakan tonggak sejarah global dalam pembuatan film, tahun 1917 terutama merupakan tonggak sejarah Amerika Serikat; era "sinema Hollywood klasik" ditandai oleh gaya naratif dan visual yang mulai mendominasi media film di Amerika pada tahun 1917.
Era Suara dan Zaman Keemasan Hollywood
Gaya naratif dan visual Hollywood klasik berkembang lebih lanjut setelah transisi ke produksi film bersuara. Perubahan utama dalam pembuatan film Amerika berasal dari industri film itu sendiri, seiring dengan puncak popularitas sistem studio. Modus produksi ini, dengan sistem bintang yang dominan dan dipromosikan oleh beberapa studio besar, telah mendahului produksi bersuara beberapa tahun. Pada pertengahan 1920, sebagian besar sutradara dan aktor Amerika terkemuka, yang telah bekerja secara independen sejak awal 1910-an, harus menjadi bagian dari sistem studio baru agar dapat terus berkarya.
Awal era bersuara sendiri didefinisikan secara ambigu. Bagi sebagian orang, era ini dimulai dengan The Jazz Singer pada tahun 1927, ketika produksi bersuara diperkenalkan ke dalam film-film layar lebar dan keuntungan box office meningkat. Bagi yang lain, era itu dimulai pada tahun 1929, ketika era film bisu telah berakhir secara definitif. [sumber yang lebih baik dibutuhkan] Sebagian besar film Hollywood dari akhir tahun 1920-an hingga 1960-an menganut satu genre — Barat, komedi slapstick, musikal, kartun animasi, dan biopik (gambar biografi) — dan tim kreatif yang sama sering mengerjakan film yang dibuat oleh studio yang sama. Misalnya, Cedric Gibbons dan Herbert Stothart selalu mengerjakan film MGM; Alfred Newman bekerja di 20th Century Fox selama dua puluh tahun; film Cecil B. DeMille hampir semuanya dibuat di Paramount Pictures; dan film sutradara Henry King sebagian besar dibuat untuk 20th Century Fox. Demikian pula, sebagian besar aktor adalah pemain kontrak. Sejarawan film mencatat bahwa dibutuhkan sekitar satu dekade bagi film untuk beradaptasi dengan suara dan kembali ke tingkat kualitas artistik film bisu, yang terjadi pada akhir 1930-an.
Banyak karya perfilman hebat yang muncul dari periode ini merupakan hasil pembuatan film yang sangat ketat. Salah satu alasan hal ini dimungkinkan adalah karena, karena begitu banyak film dibuat, tidak semua film harus menjadi hit besar. Sebuah studio dapat bertaruh pada film berbujet menengah dengan naskah yang bagus dan aktor yang relatif tidak dikenal. Hal ini terjadi pada Citizen Kane (1941), yang disutradarai oleh Orson Welles dan dianggap sebagai salah satu film terhebat sepanjang masa. Sutradara berkemauan keras lainnya, seperti Howard Hawks, Alfred Hitchcock, dan Frank Capra, berjuang melawan studio untuk mencapai visi artistik mereka. Puncak sistem studio mungkin terjadi pada tahun 1939, yang menyaksikan perilisan film-film klasik seperti The Wizard of Oz; Gone with the Wind; The Hunchback of Notre Dame; Stagecoach; Mr. Smith Goes to Washington; Destry Kembali Beraksi; Tuan Lincoln Muda; Wuthering Heights; Hanya Malaikat yang Bersayap; Ninotchka; Beau Geste; Bayi-bayi dalam Pelukan; Gunga Din; Para Wanita; Selamat Tinggal, Tuan Chips; dan The Roaring Twenties.
Gaya / Style
Gaya naratif visual sinema Hollywood klasik, sebagaimana dielaborasi oleh David Bordwell,[16] sangat dipengaruhi oleh gagasan Renaisans dan kebangkitannya yang berfokus pada manusia. Gaya ini dibedakan dalam tiga tingkatan umum: perangkat, sistem, dan hubungan antar sistem.
Peralatan
Perangkat yang paling melekat pada sinema Hollywood klasik adalah penyuntingan kontinuitas. Ini mencakup aturan 180 derajat, salah satu elemen visual-spasial utama dalam penyuntingan kontinuitas. Aturan 180 derajat ini tetap mempertahankan gaya "permainan terfoto" dengan menciptakan sumbu imajiner 180 derajat antara penonton dan bidikan, yang memungkinkan penonton untuk mengorientasikan diri dengan jelas dalam posisi dan arah aksi dalam sebuah adegan. Menurut aturan 30 derajat, potongan pada sudut pandang adegan harus cukup signifikan agar penonton dapat memahami tujuan dari perubahan perspektif. Potongan yang tidak mematuhi aturan 30 derajat, yang dikenal sebagai potongan lompat, mengganggu ilusi kontinuitas temporal antar bidikan. Aturan 180 derajat dan 30 derajat merupakan pedoman dasar dalam pembuatan film yang mendahului dimulainya era klasik secara resmi lebih dari satu dekade, seperti yang terlihat dalam film Prancis perintis tahun 1902, A Trip to the Moon. Teknik pemotongan dalam penyuntingan kontinuitas klasik berfungsi untuk membantu membangun atau mempertahankan kontinuitas, seperti dalam pemotongan silang, yang menciptakan keselarasan aksi di berbagai lokasi. Pemotongan lompat diperbolehkan dalam bentuk pemotongan aksial, yang sama sekali tidak mengubah sudut pengambilan gambar, tetapi memiliki tujuan yang jelas untuk menunjukkan perspektif yang lebih dekat atau lebih jauh dari subjek, sehingga tidak mengganggu kontinuitas temporal.
Sistem
Narasi Logika
Narasi klasik selalu berkembang melalui motivasi psikologis, yaitu, oleh kehendak karakter manusia dan perjuangannya dengan rintangan menuju tujuan yang ditentukan. Elemen naratif ini umumnya terdiri dari narasi primer (misalnya romansa) yang terjalin dengan narasi sekunder. Narasi ini terstruktur dengan awal, tengah dan akhir yang tidak salah lagi, dan umumnya ada resolusi yang jelas. Memanfaatkan aktor, peristiwa, efek kausal, poin utama, dan poin sekunder adalah karakteristik dasar dari jenis narasi ini. Karakter dalam sinema Hollywood klasik memiliki sifat yang dapat didefinisikan dengan jelas, aktif, dan sangat berorientasi pada tujuan. Mereka adalah agen kausal yang dimotivasi oleh masalah psikologis daripada sosial. Narasi adalah rantai sebab dan akibat dengan agen kausal - dalam gaya klasik, peristiwa tidak terjadi secara acak.
Waktu dan ruang sinematik
Waktu dalam Hollywood klasik bersifat kontinu, linear, dan seragam, karena non-linearitas menarik perhatian pada cara kerja medium yang ilusif. Satu-satunya manipulasi waktu yang diperbolehkan dalam format ini adalah kilas balik. Hal ini umumnya digunakan untuk memperkenalkan rangkaian memori seorang tokoh, misalnya, Casablanca.
Aturan utama kontinuitas klasik mengenai ruang adalah kekekalan objek: penonton harus meyakini bahwa adegan tersebut ada di luar bidikan bingkai sinematik untuk mempertahankan realisme gambar. Perlakuan ruang dalam Hollywood klasik berusaha mengatasi atau menyembunyikan dua dimensi film ("gaya tak kasat mata") dan sangat berpusat pada tubuh manusia. Mayoritas bidikan dalam film klasik berfokus pada gestur atau ekspresi wajah (bidikan medium-panjang dan medium). André Bazin pernah membandingkan film klasik dengan sebuah drama yang difoto karena peristiwa-peristiwa yang terjadi tampak ada secara objektif dan kamera hanya memberi kita pandangan terbaik dari keseluruhan drama.
Perlakuan ruang ini terdiri dari empat aspek utama: pemusatan, penyeimbangan, frontalitas, dan kedalaman. Orang atau objek penting umumnya berada di bagian tengah bingkai foto dan tidak pernah kehilangan fokus. Keseimbangan mengacu pada komposisi visual, yaitu karakter-karakter tersebar merata di seluruh bingkai. Aksi secara halus diarahkan kepada penonton (frontalitas) dan latar, pencahayaan (kebanyakan pencahayaan tiga titik, terutama pencahayaan dengan kunci tinggi), dan kostum dirancang untuk memisahkan latar depan dari latar belakang (kedalaman).
Periode New Hollywood pada tahun 1960-an hingga 1980-an dipengaruhi oleh romantisme era klasik, dengan para pembuat film yang ingin mengambil risiko yang semakin besar dalam mengejar kepentingan spesifik mereka di tengah ketidakpercayaan umum terhadap otoritas. Gelombang Baru Prancis juga dipengaruhi olehnya, terutama dalam hal keyakinan yang dipegang oleh tokoh-tokoh artistik seperti André Bazin bahwa film secara moral harus berfungsi sebagai proyek yang dipersonalisasi oleh sutradaranya sejauh masing-masing mewakili visi individu sutradara. Tugas 4: https://docs.google.com/document/d/1rQkRpZZWJkFs63vru5-ckVzmGV8Yp5Ko_tdVNBCgNUI/edit?usp=sharing
